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6.11.10

La mujer y la historieta, ¿son compatibles?

Alguno pensará que el título debería decir “somos” en lugar de “son”.
Pero, estimado lector, hay que buscar en este tipo de artículos la mayor objetividad posible, así que…empecemos a plasmarlo desde el vamos.
La mujer tuvo en los inicios de la historieta o comic una actuación de segundona. Partenaire o pareja de hombres superpoderosos, o la pobre princesita a rescatar, no tenía preponderancia alguna. Ahora bien, al investigar el contexto en el que se desarrollaron esas  primeras tiras, notaremos que la mujer ocupaba un espacio absolutamente relegado, por lo tanto es lógico que eso se reflejara en cualquier revista.
Maria Balda comenta en "La imagen de la mujer en el cómic: Cómic feminista, cómic futurista y de ciencia-ficción": "El mundo del cómic para adultos estaba hasta los años setenta bastante dominado por los hombres y tanto los lectores como los autores eran fundamentalmente hombres".
Con el correr del tiempo, la mujer con gran trabajo fue ocupando espacios.  Los autores las incluyen, hay superheroínas, pero siempre serán jóvenes de belleza singular, con poderes similares a los masculinos.
Algunos autores hombres dan una vuelta de tuerca a la inclusión de las chicas, con una mirada absolutamente erótica, tal es el caso de Manara (con Clics, por citar uno) y Crepax (con la precursora Valentina)
Cuando la mujer toma las riendas escribe y dibuja con la visión de su propio universo, es aquí donde comienza el cambio.
Las autoras (Claire Brétecher, Roberta Gregory, Mary Fleener, entre muchísimas extranjeras. Maitena, Caro Chinaski, Clara Lagos, La Sole, entre las nuestras) muestran cómo son las mujeres, qué sienten, qué sueñan, sus deseos, ambiciones, problemas.
Es aquí cuando la mujer incursiona en las tiras como protagonista absoluta, cuando son ellas mismas las que pueden mostrarse.
En este número especial se incluye a una superheroína, prima de Galaxer, una mujer profesional, que sabe lo que quiere, que vive en un mundo maravilloso en el que a pesar de eso, hay problemas de poder y maldad.
Y será sin duda Galaxín la que con el correr de sus aventuras podrá la cuota de equilibrio en ese mundo idílico creado por Jorge Vilá.
Las mujeres solas no pueden nada, los hombres solos, tampoco.
Es un gusto para mí conocer autores que no desmedran el trabajo femenino en el ámbito comiquero, sino que lo revalorizan y permiten que tengamos ese espacio que nuestras antecesoras marcaron a fuerza de astucia, voluntad y excelentes participaciones y emprendimientos.

26.10.10

De cuando la Revolución Industrial se mudó a Japón

¿Qué se puede decir de Full Metal Alchemist (Fullmetal Alchemist, Hagane no Renkinjutsushi, FMA o Hagaren ) que aún no se haya dicho? Poco y nada, a decir verdad.
¿Quién no conoce al menos por arriba de qué trata la serie, que comenzó como es costumbre nipona, en un formato manga y luego pasó al animé?
Sin embargo, siempre algún dato nuevo puede descubrirse, alguna conexión que no se conocía o alguna mirada distinta puede potenciar nuestra curiosidad.
Por eso, lo que haremos será repasar algunos puntos importantes.
Quien pergeñó en guión y dibujos a FMA fue Hiromu Arakawa,  una señorita nacida en las mismas tierras que inspiraron algunos emblemáticos lugares mangakas (Sinnoh, en Pokemon por ejemplo, está basado en este lugar). Hablamos de Hokkaido, segunda isla más grande de Japón, ubicada al norte.
Tal vez porque vivía en el campo, tal vez por sus lecturas, o los cuentos que le narraban de chiquita, Arakawa inventó un mundo donde la alquimia era la gran protagonista.
 FMA se encuadra dentro del subgénero Shōnen, y eso de movida es pasaporte al consumo masivo, no sólo en Japón sino en todo el mundo.
También a modo de repaso,  recordemos que la historia comienza cuando dos hermanos; Edward y Alphonse Elric experimentan con alquimia para resucitar a su madre, algo que fue negativo y que además los dejó a uno sin una pierna (Edgard pierde la pierna izquierda) y a otro sin cuerpo (Alphonse…ja! Qué loco esto….). Pero como hablamos de mundos ficticios y alquimia, algunas cosas son posibles, así que Edward sacrificó  su brazo derecho para permitir que el alma de Alphonse se resguardara dentro de una armadura  ^^
Con el correr de los capítulos, tanto el brazo como la pierna de Ed se reemplazarán por unas prótesis de avanzada construcción (se lo suele conocer como automail, donde las terminales de sistema nervioso de una extremidad se fusionan con partes mecánicas)
Lo que seguirá será el acercamiento de un alquimista reconocido, Roy Mustang (alquimista de fuego) que les aconsejará enrolarse en las Fuerzas Armadas del Estado.
Pero hagamos un parate en la historia propiamente dicha y veamos algunos términos que pueden resultar interesantes.
Por las dudas que estés leyendo esto y no lo sepas te cuento que la alquimia es la antecesora directa de lo que hoy se conoce como química, pero su composición era mucho más compleja, abarcaba además de la química, la metalurgia, la física, la medicina, astrología, semiótica, misticismo, espiritualismo y el arte. No vamos a detenernos muchos más en esto, pero es atractivo conocer de donde salen las ideas de combinar cuerpos con mecánica, por ejemplo.
Si de alquimia se habla lo hacemos también de la muy apreciada piedra filosofal, como ustedes sabrán.
 Según una de las antiguas leyes alquímicas, a partir de la pirita de hierro (conocida como “oro de los tontos” por su parecido con el metal precioso) se puede transmutar cualquier mineral en, justamente, oro.  No termina aquí el tema, no se trata de una simple cuestión de ambición y avaricia, no señores… Se suponía que si alguien lograba transmutar cualquier metal en oro,  se estaba a un paso de conseguir nada más y nada menos que el misterio de la inmortalidad. Ja!!!!! ¿Por qué este raro razonamiento? Muy simple, el oro es puro, podría decirse inmortal, por lo tanto si se consiguiera saber cómo “fabricarlo”… sería simple también descubrir cómo los seres humanos podemos ser inmortales.
Ahora se preguntarán qué puede importar todo esto bagaje de historia, filosofía y etc.
Mucho, porque en cada una de estos puntos se basó Arakawa para crear esta obra de interesante guión. Por supuesto la autora noveló, como corresponde estos significados, les dio otro color, otra manera más romántica de verse. Y el resultado fue óptimo.
Es así que la piedra filosofal en este universo lo que consigue es incrementar el poder del alquimista que la posea, no le hace falta seguir la llamada “ley del intercambio equivalente” (si querés una cosa, tenés que dar a cambio otra de igual valor), así que como es de imaginarse, TODO el mundo de FMA está detrás de la famosa piedrita, los hermanos Elric incluidos.
Después que estos hermanos se enrolan en las Fuerzas Armadas del Estado, Edward logra, entrenamiento muy duro mediante, consagrarse como “alquimista de acero”. Y como cualquier buen alquimista que se precie, lo que hará junto a Alphonse será buscar la bendita piedra filosofal.
Como dije antes, TODO FMA está detrás de la roquita, los buenos, los malos, los amigos y los enemigos. Esta ensalada de protagonistas más allá de los principales generará el conflicto perfecto para que haya enfrentamientos continuos, antagonismos y llamativas peleas y luchas.
Por supuesto hay malos muy malos (Scar es uno de ellos, aunque en realidad deberíamos decir que no es tan malvado sino una especie de Némesis de los alquimistas del estado) Y como en cualquier universo inventado que se precie hay seres creados para complicar aún más la vida de los héroes.
Se destacan aquí los homúnculos, con apariencia humana pero con la capacidad de regenerar cualquier herida. Algo así como la Claire de “Héroes”, la serie J
Otros personajes son las quimeras, fusiones de humanos con uno o más animales, y por lo tanto con características tanto de uno como de otro. Sería el famoso “cambiaformas” en otros universos ficticios.
Además de seres fantásticos, como cualquier mundo inventado con ganas de meterse entre los jóvenes (y no tanto) y sumándose a la alquimia, los automail, la piedra filosofal y los recientemente citados, Arakawa incluyó un símbolo,  el ouroboros, que representa a los homúnculos. Este símbolo no es nuevo, más bien todo lo contrario, se remonta a los antiguos griegos y tiene cierta reminiscencia egipcia. Se tomó siempre en la alquimia, y como sabrán, se trata de un dragón o una serpiente que devora su propia cola, formando así un círculo. Es una especie de anillo, una representación de la eternidad, donde lo que destruye a su vez crea y viceversa. Todas las cosas son una, tanto materiales como espirituales y según esta filosofía y este símbolo nada desaparece, todo se transforma. Seguro que esa frase la escuchaste alguna vez en física ;)
Estéticamente, podríamos paralelizar a FMA con el llamado “steampunk” (del que personalmente soy fan). El steampunk supone una ucronía (lo que podría haber pasado si la historia hubiera tomado otro rumbo) en la que el hombre utiliza la energía proveniente del vapor (no hay desarrollo electrónico, ni combustibles nucleares ni nada de eso), y en base a intrincados artefactos  viven tan desarrollados como nosotros, incluyendo nuestra era digital. El brazo de Edward y la armadura de Alphonse son buenos ejemplos de ello.

Composiciones de la obra
De Full Metal podemos encontrar el manga, que consta hasta el momento de 23 volúmenes (tankōbon) recopilatorios, publicados aún hoy a razón de un episodio al mes en la Shōnen Gangan, donde todo comenzó.
El animé consta de dos versiones, una de las cuales y a pedido de su autora, es bastante distinta a la impresa. Este data del 2003 y es uno de los animés más vistos en todo el mundo. Tiene 51 capítulos
La segunda versión es reciente, se estrenó en Abril de este año en Japón, oficialmente no está traducida al español (ejem….) aunque los fansubs ya se dedicaron a acercar los episodios para deleite de quienes no hablamos japonésJ.  Supuestamente se apega al guión mangaka original. Su nombre es “Fullmetal Alchemist: Brotherhood” y consta de 30 capítulos.
Las opiniones de los fans en foros y charlas otakeras están divididas. Muchos piensan que  segundas partes no son nunca buenas, otros ven una mejora en las gráficas, otros se alegran que esté mucho más parecida al manga… y, en fin… como siempre, no se puede conformar a todo el mundo.
Hay que recordar además que en el  2005 hubo una película “Fullmetal Alchemist: Conquistador de Shamballa”, que tuvo como responsabilidad concluir con la historia del animé.
Por supuesto, hay muchísimos OVAS, alguna escena en  live action, bandas sonoras, y todo aquello que cualquier otaku cebado de FMA querría tener en su poder.
Como cualquier producto que se precie de hacer dinero, FMA posee desde videojuegos hasta novelas, artbooks y guías de lectura. También lo que se llama CD Drama, una especie de teatro leído grabado en cds que en el caso de FMA se convirtieron en dos entregas.
Negocio redondo, redondo. Causa suficiente para la segunda parte del animé que en realidad es una recreación de la primera parte o directamente la versión más cercana posible al manga original.
Como dato final, podemos recordar que el manga en versión española lo publica “Norma Editorial”, la edición en idioma original en Japón le correspondió a Square Enix., bajo la publicación citada anteriormente (Shōnen Gangan). Y en los animés la producción principal corrió por cuenta de Bones.
FMA es una de esas series que uno puede ver con muchas ganas y además puede despertar interés en temas paralelos, como el misticismo de la alquimia, el steampunk y por qué no, el misterio de la inmortalidad.

Alejandra Márquez
Animate núm 5

26.9.10

Un enfoque acerca de la Industria Historietera nacional.

Que las aguas están revueltas en el ambiente editorial, no es novedad, posiblemente porque es necesario ese estado revolucionario continuo dentro de ese círculo.
Pero que el meta espacio historietero o comiquero tenga desde hace unos años a esta parte una revolución aún más profunda, sí tiene aristas novedosas.
Veamos, en el año 2001, aproximadamente, las ganas y el dinero de muchos editores comiqueros se vieron hechas fina arena que se deslizaba sin detenerse. Tanto corrió la arena que el mar muy oscuro de la economía argenta se la llevó sin decir ni mu.
Fueron las épocas oscuras. Precios caros, nada en los kioscos de factura nacional, una situación que la mayoría recuerda con sabor amargo.
Como suele pasar en nuestro amado y vapuleado país, después de un tiempo y de acomodos a la situación, se llegó a un punto muerto, donde para leer algo relacionado con los cuadritos había que recurrir o a viejas revistas que todos (o la gran mayoría) tenemos en casa, a las casas de canje (pocas, muy pocas) o a la moderna y ahora más establecida lectura online.
Como fuera, no había producción nueva, o reediciones, no había en la calle lecturas de este tipo. Y las que había eran importadas, con personajes también extranjeros y caras, bastante caras.
Dicen que las crisis son oportunidades que se nos ofrecen para crecer. Y por suerte, esto sucedió con la industria comiqueril.
Aproximadamente a fines del 2004, inicios del 2005, algunas editoriales asomaron su cabeza con mayor fuerza. Thalos, Doedytores son tal vez las que históricamente dieron el puntapié inicial, basados en los trabajos y experiencia de sus directores.
De ahí en más el regreso de algunos comenzó a gestarse. Si bien habían supervivido en Internet,  comenzaron a buscar su espacio nuevamente en papel.
Por aquella época conocimos a Domus. Su primer trabajo estuvo relacionado con la revista Comiqueando, nacida como fanzine, allá por septiembre del ’86. Mucha agua pasó bajo el puente de esa publicación, la crisis antes mencionada llevó a su cierre, tuvo una etapa online, de la mano de Martín Casanova hasta que, Domus mediante, salió nuevamente en papel, en Mayo del 2005. De ahí en más, Domus no paró de editar nuevos títulos y nuevos artistas. A inicios del 2009, Domus dejó de existir, al menos bajo la tutela de Casanova. Pero todo esto, más la nueva editorial Moebius, son tema para otros números de El Historietista
Otro que retomó las lides editoriales fue Pablo Muñoz. También allá por el 2005 vió la luz una obra imperdible, con el Maestro Solano López en dibujos y su hijo Gabriel en guión: “Ana”. Esto marcó el inicio de Deux Editora, en ese momento Deux Books. Deux sigue adelante, más allá de desprolijidades en cuanto a fechas de salida. Pero también todo esto será tema de una próxima entrega.
Como se puede observar, en poco menos de cuatro años el engranaje de las publicaciones relacionadas con historietas comenzó a funcionar otra vez. Y eso que sólo citamos a Thalos y Doedytores. Si, sí, acertaron. Es tema para números venideros.
Pero entonces, ¿de qué vamos a hablar en este número?
Bueno, alguna vez me enseñaron que para contar una historia uno puede empezar desde el final, pero también, como es lógico, puede hacerlo desde el inicio.
Por lo tanto, si bien comenzamos por el inicio, pasamos por el medio de la trama y seguimos por un final acotado y en capítulos, lo que haremos ahora es retomar el hilo de la charla. Y al menos es lo que me sucede a mí, hay un punto, un tema que siempre llama la atención cuando me refiero a esta historia nuestra.
¿Cómo fue posible que a pesar de tantos desencuentros, tanta economía negativa, tantos años sin producción nuestra en la calle, de repente hubiera material dispuesto para salir al ruedo otra vez?
Fácil, este país tiene uno de los niveles más altos en artistas de historietas del mundo.
Y si bien una gran cantidad trabaja para el exterior (porque son artistas, pero comen y tienen familias) muchos mantuvieron la llama comiquera nacional viva.
¿Cómo hicieron esto? En la red (aunque en el 2002 Internet no era lo que hoy es) y en unas ciertas publicaciones modestas, a veces no del todo bien editadas, pero con muchas ganas de levantar vuelo en algún momento. Me refiero por supuesto a los fanzines.
En la red quienes estuvieron al pie del cañon cuando NADIE lo hacía, con un foro, con espacio para que todos pudieran expresarse más allá de los vaivenes económicos fueron los señores “Portalcomic”. De la mano de Hernán Cabrera fue (y sigue siéndolo) un sitio indispensable para los comiqueros. Y seguramente sin su presencia las cosas hubieran sido más complejas y difíciles para todos.
En sus foros nacieron publicaciones fanzineras, nacieron o mejoraron su andar muchos artistas y se hilvanaron proyectos que más tarde vieron la luz.
 Como dije, los fanzines sustentaron en muy buena parte los sueños y posibilidades de muchos que no tenían otro modo de hacer historieta.
Por las dudas, si alguien no sabe a qué me refiero, definamos “fanzine”.
La palabra en sí tiene un cierto aire a idioma inglés. Y así es, es una contracción de “fan magazine”. Por lo tanto como primera cosa deberíamos notar que no es una publicación profesional. Como segunda cuestión, lo que se sabe y dice es que los fanzines no tienen una vida muy larga,  suelen salir muy pocos números, incluso muchas veces sólo sale uno. Otros se mantienen en el tiempo, siguen publicándose como un ejercicio de libertad creativa, aunque sus integrantes se profesionalicen.
En el último tiempo a los fanzines publicados en papel se le sumaron otros más modernos y de última generación. Son los ezines, la versión online del fanzine.
Algunas voces agoreras suelen pregonar que el fanzine en papel está muerto. Pero esto bajo mi perspectiva es una falacia y una forma negativa de referirse a este tipo de publicación señera.
Pero preguntémosle a los mismos fanzineros qué piensan al respecto.
Les acerqué a varios algunas preguntas. Busqué personas que tuvieran distintas posturas. Aquí dejo los interrogantes y más abajo las respuestas.

  1. ¿El fanzine digital desplaza actualmente al clásico en papel?
  2. ¿Alguna vez pensaste en dejar de publicar en papel para hacerlo sólo en digital?
  3. Si tu comienzo fue en digital, ¿por qué te volcaste al papel?
  4. Si tu comienzo fue en papel, ¿por qué te volcaste al digital?
  5. ¿Qué ventajas tiene el papel por sobre el digital?
  6. ¿Qué ventajas tiene el digital por sobre el papel?

Hernán Cabrera, diseñador gráfico, colorista, webmaster de Portalcomic
  1. No creo que lo desplace. Lo que si veo es que es una opción más cercana al fanzinero, debido a que es más sencillo y económico y brinda una llegada al público que en papel sería difícil de conseguir. Estoy seguro que el fanzine en papel nunca va  a dejar de existir.

  1. No. Publicar en digital siempre es una buena opción y lo he hecho. Pero siempre es mi meta publicar en papel.  El publicar en papel, el tener el objeto físico en la mano, da un sentido de plenitud al trabajo realizado.
  2. No
  3. Porque, lamentablemente, en Argentina es cada vez más caro publicar en papel. No solamente la impresión en si misma, sino todo el tema de la distribución que suele tener unos costos absolutamente prohibitivos para los pequeños editores.

  1. La fuerza del objeto real en la mano. Es más simple y cómodo de leer en todo momento y lugar.

  1. Los escasos o nulos costos. La posibilidad de recibir comentarios y feedback del lector en manera instantánea. Una gran llegada al lector, inclusive a nivel internacional. Nuevas posibilidades artísticas (color sin límites, tamaño del área de trabajo también ilimitado, posibilidad de agregar sonido, movimientos, etc.)

Ligia Berg, artista visual multifacética. Colaboró en fanzines como “Igantius tenía razón”, “C3”. De amplia experiencia en fotografía, dibujo y artes varias derivadas de la era de lo digital.

  1. El medio digital es más económico que el papel. La mayoría de aquellos que publican fanzines cuentan con un costo reducido de dinero para realizarlo,  gastan y el resultado no les parece satisfactorio. En el medio digital pueden encontrar una presentación no sólo más económica sino más accesible para ellos y para el público en general. Considero que merobujo y artes varias derivadas de la era de lo digital.el estos mse profesionalicen.
  1. n otros  hilvanaron proyectos que mcesConsidero que en un futuro la mayoría de las publicaciones serán digitales y las hechas en papel serán para colección o cosas específicas. Como los cassettes (jaja). De todos modos, todavía se sigue apuntando con energías al papel por un tema de satisfacción personal, ver las cosas en el papel es muy distinto a la pantalla.


  1. En los últimos tiempos solamente estuve publicando en digital.

  1. El sentimiento es distinto, y creo que siempre uno quiere verse publicado, verse impreso sentirse como los grandes. Una se autocomplace. Pero en mi caso la estadía en papel fue corta y en colaboraciones.

  1. No es el caso.

  1. Un mayor detalle, genera otro tipo de sensación, una mirada más general de la obra, que pienso que en lo digital se pierde

  1. Es más económico, más accesible para uno y el público, no tiene limitaciones en cuanto a la estética que se quiera usar (full color por ejemplo que en papel es muy costoso) fácil de promocionar.

Juan Pablo Camarda, historietista autodidacta, Miembro del círculo del cuadrito desde el 2005.

  1. No lo desplaza pero brinda más posibilidades para el autor en cuanto a difusión. Crear un fanzine en papel implica distribuirlo en circuitos chicos o quizá llevarlo incluso a encuentros. Con el fanzine colgado el la web automáticamente se soluciona la distribución en primer plano y la difusión depende de mandar mails y convertirte en spamer por un tiempo, pero de esa forma lo puede leer tu vecino y un holandés que se fue a vivir a Singapur.
  2. Desde el primer momento, de hecho antes de lanzar mi primer fanzine decidí colgarlo en la web para probar la recepción y luego imprimirlo, la respuesta fue mejor de la esperada y cuando evalué sacarlo en papel era una  inversión importante para la poca circulación que tendría.
  3. y 4. De vez en cuando hago un pequeño fanzine en papel pero lo nuevo siempre cae primero en Internet, me parece muy importante que se lea y produzca historieta en papel porque es el origen en si, me parece que lo ideal sería llegar al punto medio en el que los dos medios se complementen.

  4.  
  5. y 6. Creo que la única ventaja que tiene el digital es la llegada rápida y directa, aparte del contacto directo autor lector que es importantísimo. Pero le juega en contra lo mismo que le juega a favor, la grandeza de Internet hace que todo lo publicado ahí sea efímero en cierto punto. El papel por otro lado es el formato clásico de la historieta y no un medio al que tuvo que adaptarse. y quizás para los más cerrados sea mejor visto tener un fanzine en papel que colgar un pdf en la web.

Gabriel Fix. Dibujante, docente, historietista, colaboro en Editorial Thalos como en Deux, creador de la bandera de su ciudad Reconquista, Santa Fe.

  1. El fanzine digital por si solo no desplaza al de papel, lo hacen otras variantes. En el segundo boom de fanzines en Argentina las fotocopias eran mucho mas baratas y en el primer boom alla por finales de los 80 era el unico medio para hacerse conocer. A eso se le sumó que los autores solo crecían viendo y leyendo material en papel. Ahora un autor que comenzó a interesarse en los comics y tiene menos de 18 años, con un mercado de historietas hecho ruinas, encontrará blogs o foros y puede ver eso como horizonte

  1. Sí, lo pensé, sobre todo cuando vi las posibilidades que me daba el photoshop de hacer cosas en color. Pero es algo tramposo eso, porque sabés que con el papel tenés que arriesgar de forma directa el dinero y con Internet no. Entonces pensás "hago esto a color y lo ve TODO EL MUNDO", siendo que todo ese "mundo" esta navegando en millones de productos como el tuyo. En cambio la publicación en papel la entregás vos al público de forma directa. Y esto es algo que Internet no tiene

  1. y 4. Empecé en papel porque era la única opción en mi ciudad, pero también por el juego de querer ser autoeditor (dibujante/redactor/diagramador/tipeador/etc). Algo que es muy divertido cuando tu única obligación es ir a la escuela 4horas. Ahora estoy volcado un poco a lo digital porque me ahorro ir a ver cuánto aumentó la fotocopia, de jugar a meter ganchitos en el medio de la publicación, de intentar levantar publicidad. Aunque pierdo la oportunidad de tocar y oler papel con mi trabajo para solamente ver como quedo un colorcito que hice en photoshop.

  1.  

  1. y 6 No es lo mismo, pero porque son dos medios distintos... a vos, ¿qué te gusta más? ¿la manzana o el mar?. Como ventajas encuentro que con el papel el contacto que tiene el lector es directo, el zoom lo hace con su mano y sus ojos, utiliza más que el sentido de la vista. Como autoeditor jugás a ser EL SEÑOR EDITOR y aprendes cosas,  como ejemplos te puedo citar el contar las hojas, diagramar , para que sirve el fucking margen, la cantidad de tinta, etc. Como dije más arriba, el fanzinero tiene la ventaja de dejarle el trabajo hecho en la mano al lector y ver su reacción al instante. En contraposición, el trabajo digital tiene como ventaja la cuestión económica de poder usar más colores, arriesgarte a hacer todas las páginas que se te vengan en ganas, probar otros formatos jugar con otros lenguajes y llegar a mucha más gente, que no necesariamente va a leerte, pero sabás que estará  ahí en el blog, en la web y puede que algún día alguien por error buscando algo en Google entre a ver lo que hiciste. Cada uno tiene su ventaja, pero prefiero el papel.

Max King, Historietista humorístico

  1. No creo que lo digital en general desplace al papel, pero el medio digital tiene una ventaja estratégica respecto de las publicaciones en papel, y es mayormente económica. Aún pagando por el alojamiento, es muchísimo más barato tener una publicación en Internet que armar una revista, del formato que fuere, y sacarla a la calle.

  2. No. Pese a las ventajas del digital (que no se terminan en lo económico), el papel tiene un punto fuerte que es el de la persistencia. Internet puede ser un gran archivo, pero sigue siendo bastante volátil. No necesariamente la página web de hoy seguirá estando mañana. Todas las publicaciones digitales que hay en GeoCities desaparecerán cuando Yahoo! cumpla lo anunciado y elimine todos los servidores con páginas gratuitas.

  1. No corresponde.

  2. Cuando empecé a publicar en digital, fue precisamente por razones económicas. En el 2002, sumado a contar con el acceso a Internet, la devaluación alejó definitivamente los precios de impresión de lo que yo podía sostener en el precio de tapa. No pudiendo volcar el material al papel, finalmente me las rebusqué para terminar publicando en Internet. No fue, eso sí, un traslado del papel al digital, porque el material que escribí y dibujé para Max King Comics! sigue destinado al fanzine, pero sí usé los personajes para hacer material nuevo que publiqué en Internet.

  3. Como dije antes, el fanzine en papel es un objeto persistente, que no requiere para accederse más que tener vista y saber leer. Como objeto concreto, es persistente en el tiempo, y es accesible en todo momento y en todo lugar, sin necesidad de ninguna tecnología particular para eso. Además, la experiencia de leer el objeto-historieta es otra cosa, y con la historieta en la mano, el acceso al material es total e inmediato.


  1. Publicar en digital es económico en todo sentido. El alojamiento es desde gratuito hasta precios bastante accesibles, incluso en dólares o euros y al tipo de cambio actual El acceso al material carece de límites. El material hasta puede hacerse a color sin que eso varíe en nada el costo. La única limitación para la publicidad está dada por el hecho de que un fanzine no puede publicitarse en otro medio que no sea Internet, pero con las redes sociales y los blogs, hacer "marketing viral" compensa bastante esa limitación. El tema de la accesibilidad es notable cuando, por ejemplo, el webmaster de Portalcomic me contaba que recibió buenas críticas a mi tira de La Liga de Plata, de un usuario de México.


A modo de cierre de esta primera parte podríamos decir que una de las patas en las que se basó la actual industria historietera nacional es la de los fanzines. Y otra de esas patas es el medio digital. A esta altura, y por sobre todo, colaborando como lo hago para varias publicaciones online, desconocer el peso de Internet sería tonto.
Ahora bien, la mística y el ritual que genera el papel….no podrán darlo jamás una computadora, ya sea como lector o como autor.
En la próxima entrega, nos adentraremos en las editoriales y su mundillo. Por qué los editores son editores y por qué siguen apostando a la publicación en papel.

Enlaces relacionados
Ligia Berg: www.ligianauta.blogspot.com
www.ligiabergphoto.blogspot.com
Max King: www.mkcomics.com.ar
http://enqueandamaxking.blogspot.com



17.9.10

Política e historieta

En un número anterior de Sátrapas hablamos acerca del humor gráfico y la política nacional. En esta entrega hablaremos de la historieta dentro de temas políticos. Y pasearemos un poco por el mundo, para aflojar tensiones en casa.
Y mire usted señor, señora, que justo. El primer presidente afroamericano ocupa el trono de los USA y ya se convirtió en superhéroe. ¿Sabía eso? Ajá, Obama apareció en una animación este último fin de semana. Pero ojito! antes ya había estrenado cuadritos junto a Spiderman, en un número en el que Spidey lamentaba los atentados del 11-S, y después se encontraba con Barack, durante la ceremonia de elección como presidente.
Bueno, el llamado comic mainstream siempre estuvo estrechamente vinculado a los vaivenes políticos. Tema para una próxima edición satrapera.
Un poco más abajo del mapa, en la hermana Bolivia, hace unos dos años una super heroína nació. Se trata de Supercholita y sus intenciones son las de acabar con la corrupción e impunidad, pero, chica inteligente, sabe que tiene limitaciones. Así que en la primera entrega cuando el Presidente boliviano pidió ayuda, ella le contestó "Lo siento, Evo, pero milagros no hago".
También en Bolivia encontramos a Kollaman, un antihéroe regional, que "muere por la patria y va a salvarla, cueste lo que cueste
¿Y por casa? Bueno, en nuestro país hay mucha historieta política. Baste citar a Héctor G.Oesterheld como para graficar esa afirmación. De HGO tenemos obras conocidísimas: la historia del Che, de Evita, toda la etapa de las revistas "El descamisado", "Camote" y la segunda parte de "El Eternauta", politizada hasta los tuétanos, como su autor. Hay muchos historietistas más (Sasturain,Trillo, Saccomano, entre otros), pero esta vez sólo reseñamos sin profundizar.
Hablando de una figura importantísima en la política latinoamericana: pocos conocen el manga (historieta oriental) realizado acerca de la vida de un ícono de este lado del mundo: el Che Guevara.
Así es, a las realizadas por Oesterheld junto al viejo Breccia y su hijo Enrique, más otra de Spain Rodríguez, pionero del comic underground, se sumó un manga de Kim Yon-hwe, un coreano que quedó fascinado literalmente con la historia y personalidad de Ernesto. (En breve Deux Ediciones publicará esta obra más que interesante por resultar una perlita rara en el universo comiquero)
Y ya que estamos de paseo por Corea, nos vamos por allí cerca.
Llegamos a Irán. Allí nació Marjene Satrapi, la autora de "Persépolis", una aguda mirada en viñetas acerca de la vida de una chica que crece en medio de tabúes, restricciones de libertades individuales, represión, la imposición del velo femenino y el estallido de la guerra Irán-Iraq. En el año 2007 el comic llegó a la pantalla grande, en versión animada, muy aplaudida por la crítica especializada. Es una visión original y vista de cerca de la vida en el Irán post Sha.
Para redondear, no podemos dejar de mencionar a uno de los países que mayor cultura comiquera tiene en el mundo entero: Francia. Durante las últimas elecciones, las presidenciales ganadas por el mediático Sarkozy, la bande desinné (historieta en francés) estuvo a la orden del día. Se regodeó tanto y tan bien en los candidatos (Ségolène, Sarkozy, Bové y Chirac) que las revistas se vendían como pan caliente en todas las librerías especializadas.
La cosa no paró ahí: cuando eligieron a su presidente, y luego del romance devenido en matrimonio de Sarkozy con Carla Bruni, un libro con mucho de historieta salió a la venta. "Carla y Carlito es la narración de cómo un autoritario, derechista y solitario presidente llega a conocer y casarse con una cantante pop comehombres, hermosa e izquierdista, activista de los derechos humanos y alguna vez top model" (John Lichfield, de The Independent de Gran Bretaña)
Imaginen si acá alguien escribiera las Aventuras de Cristina y Néstor.....
Otra que Ley de Radiodifusión...
Mmmm....linda idea...habrá que buscar un dibujante y probar, ¿no les parece?
Alejandra Márquez
Publicado por Revista Sátrapas


11.9.10

DE QUE SE TRATA LA HISTORIETA

Muchas veces pasa que nos cruzamos con revistas de historietas. Y si nos gusta el personaje, la temática y los dibujos es casi seguro que las leeremos.
Muchos dicen que son cosas para nenes, otros que no es algo serio y la mayoría lo considera como un pasatiempo algo friki, freak o directamente, nerd.
Así que en este artículo me encomendé hablar un poco acerca de la historieta o cómo decir cosas mediante viñetas.
Cuentan los que saben que el hombre hace historietas o cómics desde siempre.
Las pinturas rupestres, por ejemplo, relatan gráficamente escenas de la vida diaria de los primeros hombres: no utilizan palabras, sino dibujos.
Si nos ponemos académicos, se dice que el cómic es fruto de la experimentación, se asocia además con una cultura de masas lo que hace que se transforme en un producto industrial, más allá de otras interpretaciones artísticas o de lenguaje que pudiera tener.
En este sentido, el primer antecedente de la historieta o cómic fue una litografía satírica de Napoleón del caricaturista inglés James J. Gillray.
Ya alrededor de 1829 Töpffer publicó el primer intento de reflexión sobre comic, un folleto versado acerca de fisonomía humana.
Mucho agua pasó bajo el puente, ilustración, humor político, periodismo satírico son las influencias inmediatas en el origen del cómic. Otro antecedente fue también la novela por entregas, de la que sobre todo los superhéroes mamaron su génesis.
Pero el gran empuje para los comics sin dudas fue la necesidad de los diarios de levantar sus ventas Para eso incluían diariamente las llamadas “tiras”, seguidas con avidez por los lectores.
La que dió ese puntapié fue “The Yellow Kid”, aparecida en 1895, del dibujante Richard F. Outcault. ¿En qué radica su importancia? Sencillamente sentó las bases de la historieta tal y como la conocemos hoy.

El personaje central era un chino vestido con una larga camisola amarilla, oriundo de los barrios populares de New York.
Los aportes de esa tira para identificar al cómic hasta hoy fueron tres:
1.- Secuencia de imágenes consecutivas para articular un relato.
2.- La permanencia de, al menos, un personaje estable a lo largo de una serie
3.- Integración del texto en la imagen.
En 1929 comienzan a utilizarse como base para la creación de historietas de aventuras los relatos de Edgar Rice Burrough "Tarzán" con dibujos de Hal Foster y la primera historieta de ciencia ficción "Bulk Rogers" de Philip Nowlan como guionista y Dick Calkins como dibujante. Le sigue en 1931 la recreación de la vida de Al Capone, mediante el conocido y muy leído “Dick Tracy” de Chester Gould.
Al nacer estas nuevas historietas desde el seno literario, es necesaria la inclusión de guionistas especializados: se revalorizan los textos y no sólo será importante la imagen de aquí en más.
Como es lógico suponer la hegemonía de producción comiquera la tienen los Estados Unidos. Esto será así hasta los años ’60, donde la geografía de los cuadritos cambia.
Hay una irrupción en el mercado internacional de las historietas provenientes de Francia, Italia, Alemania, Bélgica, España, Argentina donde los temas marginales y aquellos que denuncia una sociedad cada vez más deshumanizada y consumista, son el motivo principal de la historieta no comercial que, en la década de los 80, constituyen el punto de atención de los nuevos lectores de cómics.
Y en estos últimos años, ese mismo mapa cambia, con la llamada invasión del manga, que como sabrán, se trata de historieta hecha en Japón, China, Corea, Taiwán y otros sitios orientales.
A esta altura podemos mencionar algunas características del cómic:
1.- Carácter predominante narrativo del mensaje.
2.- Integración de elementos verbales e icónicos.
3.- Utilización de códigos y convenciones.
4.- Su realizan para una profusa difusión lo que puede condicionar su contenido.
5.- Su finalidad es predominante de distracción.
Parece que no era tan sencillo el cómic, después de todo.
Al menos no en su hechura, en su concepción.
Si lo es en su comprensión, por eso es utilizado por algunos docentes para enseñar trozos importantes de la historia, de la literatura o entusiasmar a los chicos en el hábito de la lectura, de la escritura y el trabajo en equipo.
Si nos referimos específicamente a los cómics y sus ventajas con respecto al aprendizaje, es evidente su bajo costo, sus posibilidades comunicativas, de comprensión lectora, ya que estimulan el pensamiento lógico del alumno.
Entonces, ¿el cómic es para niños?
No, también es para adultos. Porque se pueden comunicar ideas, manifestar opiniones, contar todo tipo de historias mediante las viñetas.
Desde las más sórdidas hasta las más románticas, desde las aventuras más valerosas hasta las más crueles.
Sobre esto nuestro país es uno de los más respetado, ya quetenemos una riquísima historia comiquera.
Los personajes de Quinterno acompañaron a generaciones con sus ocurrencias. Patoruzú, Isidoro, la Chacha, Ñancul, Cachorra, por nombrar algunos.
Otro admirado por legiones, Juan Salvo, nombre de El Eternauta en la inolvidable y siempre presente narración de Héctor Oesterheld, con dibujo de Francisco Solano López primero y Alberto Breccia después.
Las historias narradas por Robin Wood y múltiples y talentosos dibujantes en las páginas de Editorial Columba también fueron leídas y releídas miles de veces por millones de argentinos: Nippur de Lagash, el emblemático guerrero sumerio es uno de los grandes personajes nacidos de la mente del prolífico paraguayo.
Nuestra historieta tiene un sello propio, una forma de “plantar” o colocar las imágenes, los globos de diálogo, la cantidad de cuadros por página.
Y este estilo narrativo se exportó a muchos países con amplia tradición y amplios mercados comiqueros. Desde siempre los dibujantes argentinos trabajaron para editoriales francesas, italianas, estadounidenses, españolas, en fin, para el mundo.
Esto se acrecentó, lamentablemente, con una de las crisis editoriales más grandes que tuvimos que padecer, la llamada “crisis del 2000” que como es de suponer no dejó afuera a las revistas de este tipo.
Hubo una gran migración de dibujantes y una desolación enorme en los kioscos. Muchas editoriales cerraron definitivamente, como Columba, Record y varias más.
Y sólo nos quedaba mirar con la “ñata contra el vidrio” cómo grandes dibujantes (Zanotto, Meriggi, Alcatena, Taborda, Lalia, por mencionar algunos) y guionistas (Wood, Trillo –aunque estuvo presente Clarín mediante-, Schimpp, etc) publicaban en el exterior.
¿Quiénes mantuvieron viva la llama? Los autoeditados, los fanzines, las pequeñas editoriales que como podían seguían adelante mostrando sus trabajos fotocopiados en convenciones bien subterráneas, muchas veces excelentes en calidad intrínseca pero pésimos en calidad de impresión.
Gracias a Dios, todo esto parece que se está curando, de a poco, no cantemos victoria.
Pero hay un reverdecimiento, un renacer de editoriales, de revistas, de autores que regresan o comienzan sus pasos.
También un reconocimiento a esos talentos nacidos del “underground”: Salvador Sanz, Javier Rovella, El Bruno, la gente de Lule le lele que ven publicados sus trabajos en revistas que reinciden como Fierro.
Y otras que tomaron la bandera de las aventuras, como la línea editorial que comienza a publicar Thalos Editorial, con “Magma” a la cabeza.
Otras editoriales que comienzan con muy buen pie su recorrido comiquero, tal es el caso de Domus Editora, con sus comic books a excelentes buenos precios, que no desmedran la calidad de impresión.
De Domus tenemos la versión de “Hate”, de Peter Bagge, un baluarte del cómic nacido como under en USA; también la colección de Aventuras Dibujadas, para los más chiquitos, con nombres de autores tan importantes como Carlos Trillo, Jhor, Diego Parés, Javi Rovella (que publica en Spirou su “Dante Elefante”), Calvi, entre varios super capos.

Otra revista que regresó al papel, después de mantenerse por algunos años en formato digital es “Comiqueando”, una de las más conocidas dedicadas a la difusión e información sobre historietas nacionales y extranjeras.
También forma parte de esta movida de renacimiento Deux Editorial, con colecciones importantes de autores foráneos (Peter Pan de Loisel, o La Biblia de Bisley –no aptos para menores NINGUNO de los dos-) y argentinos (Shakespeare dibujado de Cristina Breccia, Cero Buenos Aires –Albiac/Taborda-, entre muchos)
Ivrea, Gárgola, DoeyoEditores son otras editoriales que siguen apostando con sus publicaciones a la calidad de nuestros autores.

Alejandra Marquez
Para Sátrapas/2008/05/

6.9.10

Día de la Historieta en Sonaste Maneco

El cuatro de
septiembre último, y con motivo de
celebrarse por tercer año consecutivo el
Día de la Historieta, se realizó una Jornada
en el Centro Cultural Plaza Defensa,
ubicado en pleno corazón del porteño
barrio de San Telmo, más exactamente en
Defensa 535.
La propuesta era sencilla y desafiante a
la vez: Pasar una tarde en la que se
celebrara la historieta, sin distinciones o
divisiones que nada aportan. Por eso se
invitó a participar a todo el mundillo
comiquero argento. A partir de las 14:00
en un espacio que parecía amplio hasta ese
momento, comenzaron a congregarse
fanáticos, editores, artistas, escuelas,
medios y público en general.
En realidad, desde mucho antes ya
había movimiento en el multiespacio.
Aproximadamente al mediodía comenzó
el montaje de stands donde se venderían
más tarde historietas de todo tipo, desde
las Aventuras Dibujadas para niños hasta las
locas historias de zombis de El Bruno,
incluyendo las apaisadas y míticas Lúpin,
de Guerrero y Sídoli.
Se dio la oportunidad de acoplarse a la
jornada a quien quisiera, fue así que se
contó con la presencia, desde el lado
editorial formal, de Thalos, Deux Editora,
Domus, Ex-Abrupto, Freak Show Press y
Districomix; las autoediciones Lule le
Lele, RFX Ediciones y OVNI Press,
Ediciones del Antiguo, Rebrote, Dies
Mercuri, Cabula, Burlesque, El Bruno
Comics, Setro Comics, Indigesta, Galaxer,
Barricada, The Cum, Paganus, Scared of
Girls, Jodigoh!, 4Mts.cuadrados, Llanto de
Mudo, Revista Con H, Ediciones
Noviembre; las escuelas de Kappel y
EAH, la Universidad de Palermo y el Club
del Comic. Todos ellos aportaron su
presencia, sus ganas y algo de dinero para
llevar a cabo el encuentro.
Las charlas o mesas giraron en esta
oportunidad alrededor de la industria de la
historieta, una decisión tomada por los
coordinadores generales de la jornada,
Gustavo Schimpp y Alejandra Márquez.
Desde las míticas editoriales Columba,
Quinterno, Record, La Urraca y Lupin,
hasta la eclosión fanzinera y autoeditada
de los '90, con Catzole, ACHA, Caballero
Rojo, Cazador, Komicidio, Comiqueando,
las actuales Thalos, Domus y Deux, los
artistas ignotos entre nosotros pero
aclamados en el exterior por la calidad de
su dibujo, fueron desfilando por el amplio
escenario devenido en sitio para
conferencias y aportaron su visión acerca
de la historia de la industria comiquera
argentina.
Fue por lo tanto un repaso por las
décadas del '40 al '70, con la presencia de
Armando Fernández, Manuel Morini,
Jorge C. Morhain, Susana Muzzio, con
moderación a cargo de Daniel Vigide
Agre. La década del ' 80, sumada a la
industria entre los '90 al 2004, con la
Bárbara,
en el afiche
publicitario del
Día de la Historieta
argentina 2008.
© respectivos propietarios.
10
presencia de Tony Torres, Hernán
Cabrera, Andrés Accorsi, Edu Bazán y
Julio Azamor, con la moderación de
Federico Reggiani.
Se contó con la presentación del libro
de Rodolfo Fucile, Artistas Irrelevantes, de
Ediciones del Antiguo; la presencia de los
amigos de Zona Liberada, pieza teatral
basada en El Eternauta, con la dirección de
David Rubinstein. Reestrenada el 5 de
septiembre en el Centro Konex, se pudo
gozar de un trailer y diez de los asistentes
ganaron las entradas sorteadas ese mismo
día.
A partir de las 18:30, la Jornada transitó
el camino de los homenajes.
El primer turno correspondió a la obra
de Alberto Contreras, El Regreso de Osiris,
con la presencia de Sebastián Masana,
quien mantiene desde hace un tiempo viva
la memoria y el recuerdo de esta joya de la
ciencia ficción en cuadritos.
Siguió a este recuerdo el momento
álgido y tal vez más esperado: Muchísima
gente, medios de prensa, amigos,
fanáticos, profesionales, todos a la espera
de la entrega de diplomas a la trayectoria.
Seis fueron los homenajeados en este
evento.
La idea era que cada uno de los
diplomas a los maestros fuera entregado
por consagrados de hoy tanto en el campo
del dibujo como del guión.
Las “duplas”, presentadas en todos los
casos por Norberto Rodríguez Van
Rousselt, fueron entonces:
Alfredo Grassi, diploma entregado por
Ferrari;
Carlos Albiac, a quien le entregó el
diploma Gustavo Schimpp;
Eugenio Zappietro, por Néstor “el
irlandés” Barron;
Carlos Vogt, entregado por Lucas
Varela;
Mannken, por Diego Parés;
y Guillermo Guerrero, aunque ausente
como mencionáramos más arriba,
entregado por Mauro Serafini “El Bruno”.
La emoción, las caras de asombro
(porque fue para la mayoría de los grandes,
una sorpresa) acompañaron este
segmento, sin dudas el más hermoso,
sentido y recordado de toda la fiesta
comiquera.
Se entregaron a continuación los
premios que la revista Magma pautó con
motivo del certamen Día de la Historieta.
Para la entrega de los mismos se hicieron
presentes por Editorial Thalos René de
Meriggi y, como representantes del jurado,
Horacio Lalia y Sergio Ibáñez. Como pasa
siempre en este tipo de actos, unos
emocionados muchachos subieron a
recibir lo pactado: Colecciones de títulos
de Thalos para todos más el compromiso
por parte de la editora de publicar el mejor
trabajo en alguna próxima edición de
Magma.
Los elegidos fueron: Jorge Palomera y
Hernán Castellano (Primer Premio);
Sebastián Bevacqua (Segundo Premio);
Mauro Bueno (Tercer Premio); y José
Reinoso y Dante Marega (Mención
Especial).
La última charla estuvo vinculada con el
presente de la industria historietera y con la
proyección a futuro de la misma, contando
con muchos jóvenes que trabajan y muy
fuerte para mercados exteriores, poco
conocidos aquí en la mayoría de los casos,
pero con amplio reconocimiento en
Europa y los Estados Unidos.
Así llegó al final esta jornada, con un
paneo general durante la tarde de la
industria comiquera, homenaje a Carlos
Meglia, reconocimientos a maestros,
presentaciones varias y el espíritu de la
historieta muy presente en ese rincón
porteño dentro del barrio de San Telmo.
Como no podía ser de otro modo, una
buena parte de la concurrencia al terminar
cerró esta noche con unas riquísimas
pizzas en un local cercano.
Y por supuesto quedan para el año que
viene las ganas de mejorar lo que deba
mejorarse y afirmar una vez más que la
historieta está vivita y coleando.

Alejandra Márquez
para SonasteManeco

1.9.10

Septiembre, mes de la historieta

Por cuarto año consecutivo se celebró en Argentina el Día de la Historieta.
El 4 de septiembre se conmemoró una nueva edición de esta fecha tan grata para los amantes de este arte popular.
Desde el año 2005, cuando artistas, periodistas, difusores, editores, docentes y fans nos reunimos, se festeja ya sea con eventos que llegan hasta las páginas de la prensa o simplemente leyendo historietas.
¿Por qué elegimos ese día? No fue nada fácil, debo admitir. Nuestra historieta es riquísima en talento, en personajes y en singularidades. Pero había que buscar un día que tuviera para nosotros, los comiqueros, y para la gente en general algún significado y algún tipo de empatía más o menos uniforme.
Fue así que en Agosto de aquel año, decidimos entre muchas propuestas, que fuera la aparición del primer capítulo de El Eternauta, de Héctor Germán Oesterheld el Día H, como cariñosamente le llamamos.
Un poco de historia
El 4 de Septiembre de 1957 nacía dentro de Editorial Frontera la revista Hora Cero Semanal y en su interior comenzó a gestarse otro modo de contar historias, otra forma de narrar aventuras dibujadas en cuadritos. Cuentan los que vivieron esa época que era una verdadera tortura esperar la salida del siguiente episodio de El Eternauta. La ansiedad los volvía locos.
Los chicos y los grandes conjeturaban acerca de lo que vendría, de lo que sucedería con aquel viajero del tiempo, Juan Salvo, y con una Buenos Aires arrasada, atacada por alienígenas.
Los escenarios eran autóctonos, eran argentinos, podían visitarse en la Capital, en zona norte de Gran Buenos Aires también. Tanto es así que muchos fanáticos tienen mapeos reales de los pasos contados en aquellas páginas de historieta.
Desde esta historia narrada por HGO en guión y el maestro Solano López en dibujo, nada sería como fue.
Breve racconto del Día H
Como suele decirse, mucha agua pasó bajo el puente y cada año aquella idea germinal se va haciendo más y más fuerte.
La primera vez que celebramos fue un encuentro casi íntimo, en una comiquería amiga (Punto de Fuga) donde brindamos, charlamos acerca de comics y compartimos un refrigerio. Esta ocasión la tomamos (como buenos comiqueros) como un preview, una previa para ver cómo reaccionaban los otros compañeros de lecturas.
El segundo año quienes se hicieron eco del festejo fueron los amigos de la Alianza Francesa de La Plata. Allí se llevó a cabo un reconocimiento a Asterix y sus creadores, Goscinny y Uderzo y de paso el Día H celebró en forma oficial su existencia.
El siguiente año tuvimos un crecimiento en actividades: maratón creativa en la Escuela Argentina de Historietas, donde la consigna fue escribir, dibujar, entintar y colorear en nueve horas al menos cuatro páginas, tarea nada fácil.
Después las obras resultantes más la excelente muestra “50/30” (donde se recordaron los 50 años de El Eternauta y los 30 años de la desaparición de HGO) más actividades relacionadas con este mundo comiquero nos juntaron en la sede de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA (la famosa sede de Puan) en una jornada memorable. Celebramos oficialmente así el segundo año.
El que siguió debía ser el del despegue, pretendíamos que traspasara nuestras propias fronteras, las comiqueras y que todo el país se enterara que el 4 de septiembre era el día H.
Y así comenzó a rodar la noticia por diarios como Crítica o Página 12, y ya dejó de ser una idea para imponerse de a poco, comenzó a formar parte del colectivo popular. En Internet se masificó (en un buen sentido) la información y en otros países se reconoció nuestro Día H como una realidad.
Pero aún faltaba camino y si bien en el tercer aniversario oficial uno de los eventos se realizó con una concurrencia apoteótica en el Centro Cultural Plaza Defensa, en pleno San Telmo, con reconocimientos a la trayectoria de grandes íconos de nuestros cuadritos, se necesitaba agitar más el bote para que las olas se transformaran en tsunamis.
Ya desde el inicio una idea rondaba nuestras cabezas: oficializar dentro del calendario el Día H, para que en las escuelas, en cada radio, en cada medio en cada librería, en cada espacio se recordara el placer, la imaginación, la sensación bonita que se tiene al leer en viñetas.
Y este año ese deseo empezó a transitar una posibilidad concreta: el primer paso lo dio la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, desde el despacho de Diana Mafia, que nos citó a una reunión para hablar acerca de un proyecto de Ley que se presenta en estos días a consideración.
También nos enteramos que otro proyecto se presentó en Diputados, desde la bancada de Libres del Sur y otros partidos de similar bandería política.
La Biblioteca Nacional se sumó a la movida y realizó actividades conmemorativas en su sede, el mismo 4.
Y como si fuera poco, la CONABIP instruyó a sus protegidas, las Bibliotecas Populares del país, para que realizaran actividades. Esto originó aquel tsunami que pretendíamos al mover el bote del 2008.
Si alguna vez les pasó que un sueño se haga realidad, podrán entender cómo me siento yo, al ser parte de esto.
Y ahora, ¿qué?
Y ahora la pretensión es que cada provincia tenga sus propios festejos cada 4 de septiembre. Que cada escuela, cada centro cultural, cada biblioteca recuerde, celebre, festeje con alegría esa linda sensación de frescura, de imaginación que trae la lectura. Y en especial la de historietas.
Y si no hay evento, no importa, se celebrará en casa, a la noche, leyendo alguna revista nueva de historieta. O, ¿por qué no? Alguna Columba, Record o lo que venga de lo más clásicas.
Y en la Biblioteca de Baradero, ¿se celebró el Día H?
Si no lo hicieron, no importa. El año que viene tienen otra oportunidad.
Y como muchas ciudades aprovechan y celebran el mes de la historieta, no queda más que desearles
¡FELIZ MES H, AMIGOS DE BARADERO!

Alejandra Márquez
Sátrapas 09/2009

12.8.10

Pinups para El Faro

Hola!!
Tal como prometí en el primer viajecito (¿recuerdan? Quedo algo pendiente), esta vez nos subiremos a un tren mucho mas sensual.
Algunos conocen el recorrido por las beldades que seguramente les acompañaron durante la adolescencia. Y aquellos a quienes aun acompaña la adolescencia, bueno.....creo que es interesante tambien este periplo tan...sexy.
Si, si, ya se...de que estoy hablando??
De los Pin-Ups, estimada ciber-audiencia.
Pero...esto tiene que ver con los comics?
Ah....lean y sabran ;)
Empecemos por el principio.

¿Qué es "pin-up"?
Podemos decir que se trata de los tipicos carteles pegaditos en la pared, en sitios eminentemente masculinos.
Claro....esto no es lo suficientemente preciso.
El pin up nace en USA, entre las decadas del 40 al 50. Aunque podemos ampliar el reinado desde los 30 a los 70.
Muchos artistas se dedicaron de lleno a dibujar, colorear y promover ilustraciones en las que se mostraban señoritas con ropa ligera, en actitudes algo insinuantes y muy sutiles. Tambien se conocia como cheesecake girls, aunque estas lucían mucha menos ropas que sus primas pin up.
Sin embargo, este arte venia pergeñandose desde mucho tiempo atrás. Pintores famosos como Toulouse Lautrec, Jules Chéret y Alphonso Mucha comenzaron a fines del siglo XIX a sembrar la semilla que expresaba seduccion, erotismo, de manera ingenua. Este estilo pictorico es conocido como Art Nouveau.
A quien le corresponde el “honor” de haber pasado a la historia como el primer pin up, no esta claro. Desde los USA, algunos citan a "September Morn", de Paul Chabas, de 1912, como la primer ilustracion estilo calendario, aunque al verla, nos encontremos con algo absolutamente inocente: una señorita, cerca de un espejo de agua, en una actitud despojada, muy naïf, dispuesta a darse un bonito baño.
Claro... siempre hay alguien que se molesta por este tipo de cosas, sobre todo en 1913. Anthony Comstock (famosisimo censor en quien NO me detendre) se ocupó de difamar a la inocentisima pintura, por lo cual esta fue quitada de exposicion, junto a la quema de libros “poco propicios”.
Otros le adjudican el primer puesto historico a laGibson Girl, dibujos de señoritas descubiertas en situaciones casi jocosas, diarias, podriamos decir... por las que ponerse coloradas. No siempre con poca ropa, en realidad, aquí lo importante era la actitud, la pose de la modelo.
A quien suele considerarse abuelo del pin up mas clasico es al austriaco Raphael Kirchner, que edito en la revista parisina “La Vie Parisienne” sus trabajos. Es tal vez quien mayor influencia tuvo sobre Alberto Vargas, ahora si, el padre del estilo pin up mas conocido, ilustrador de las tapas de albums de la epoca, como los deZiegfeld Follies. Me gustaria notaran en la imagen precedente un detalle: el libro que la modelo aparenta leer es nada mas ni nada menos que “Las flores del mal”, de Charles Baudelaire, uno de los poetas malditos, famoso por su “libertina” manera de vivir. Las chicas pin-up formaron sin duda parte de la historia del cine, la fotografia, la moda y por supuesto... los comics.
To pin up” significa "colgar, pinchar o clavar en la pared", y la mujer pin up está en las paredes; ella es la deseada chica del calendario, de los anuncios, del cartel desplegable o las páginas centrales de la revista. Desde ya, para nuestra actual sociedad, son carteles mas apropiados para un jardin de Infantes....pero ese no es el motivo por el cual les traigo aqui el tema.
Ahora, ¿no suena extraño que en ese momento tan conservador se diera rienda suelta a este arte de tan dudosa moral? La respuesta es simple: los directos "beneficiarios" eran los soldados estadounidenses, a quienes se les llegó a instruir en la “dificil” forma de exponer en sus cubiculos, aviones de combate, trincheras, de manera oficial las ilustraciones de Marilyn, Betty y tantas otras. Si... como leen... con comunicados oficiales y transmisiones de radio se les enseñaba a ubicar lo mejor posible los calendarios, tapas de revistas o carteles.
Podemos armar una pequeña lista con los artistas mas celebrados del género comoAlberto Vargas, Gil Elvgren, Rolf Armstrong, Earl Moran, George Petty, Pepe González(tengo que decir que ya lo nombre?...Si...fue quien dibujo a Vampirella, luego de Frazzetta), Carlos Díez, Olivia De Berardinis, Mark Schultz , Dan Decarlo, Duane Bryers, Peter Driben (autor del póster de la película de Humphrey Bogart "El Halcón Maltés"), Harry Ekman, Ruth Deckard y Billy De Vorss entre otros
A la vez las modelos o musas inspiradoras de tantos, pueden encolumnarse tras las historias del cine (Marlene Dietrich, Jean Harlow; Pamela Anderson -la sex symbol de los noventa-, Bettie Page, Raquel Welch, Mamie Van Doren, Jane Mansfield, Anita Ekberg, Sugar Cain, Tempest Storm, Kim Bassinger, Deborah Harry (Blondie), Betty Grable o Marylin Monroe); de los dibujos animados y comics (Betty Boop, la futuristaBarbarella, Vampirella, la sensual Bettie Page (otra vez ::P), la espectacular Jessica Rabbit, por citar a las mas famosas)
Tambien merece ser nombrado el comic “Male Call”, del famoso Milton Caniff, aparecido en 1943, en diarios de circulacion exclusiva dentro del ambiente militar. Si... eran tiras que salian en “newspapers” para soldados.

La diosa (al menos para mi) de este estilo es la divina Bettie Page, ¿¿Quién no la conoce?? (bueno... aqui pueden visitar su hogar en la red)
Esta chica de mirada angelical y perversa a la vez, desenfadada y timida, en apariencia, tiene la particularidad de caerle muy bien a hombres y mujeres. ¿Por qué? bueno... a los hombres es mas que obvio el motivo. A nosotras las mujeres.....en lo personal, su rebeldia y sus poses absolutamente reñidas con la moral conservadora de la epoca se llevan toda mi admiración.

Otra forma de clasificar a los pin ups tiene que ver con la linea temporal y los sucesos historicos. Pero como el objetivo de esta columna es darles algunas puntas para mostrarles temas relativos a nuestra pasion comiqueril, creo que para esta vuelta no haremos esa comparativa, mas allá de que sea interesante ver cuanto tienen en comun los vaivenes de las guerras con la menor o mayor cantidad de ropa de la chicas pin ups.

Ahora bien, ¿habia publicaciones?, ¿se editaron revistas que se relacionaran con el tema? Si, por supuesto. En los U.S.A. podemos encontrar varias, a saber: Beauty Parade; Eyeful ; FilmFun; Flirt ; Titter ; Whisper ; Wink . Como observaran, muchas de las actrices, modelos, figuras de la época eran retratadas y en cierta forma saltaban desde este trampolín a las grandes luminaries, tal el caso de Marylin, famosa por el calendario escandaloso para el que poso ligera de ropas, tan ligera que solo vestia su propia piel.

¿ Y por estos lados? ¿Había revistas de este estilo? ¿Hubo pin ups de este lado del continente? Si, hubo. Una muestra se puede observar en la revista “El Pingüino” sin duda la mas famosa dentro del genero llamado “picaresco”. ¿Dónde se editaba? En Chile, y contó con excelentes dibujantes tanto chilenos como argentinos. Salió en agosto de 1956, con carácter mensual durante sus 4 primeros números, quincenal hasta aproximadamente septiembre de 1957 y de ahí en adelante semanal.

Una simple enumeracion, sin enlaces:
Chilenos: Pepo, con su armadura de un caballero “Don Rodrigo” y la genial “Víborita”, sobre mujeres jóvenes y emancipadas, por la cual ganó premios en su tiempo en la Asociación de Dibujante, al estilo del argentino Divito. Ambas historias son herencia de “Pobre Diablo”. Además, durante los primeros años dibujaría las portadas.
Themo Lobos, Alhué , Leoncio Rojas , Fantasio, con su genial “La costilla de Adán”, “Pan de Dios”, “Deportino”, “Cosiacas” sobre temas diversos, además de chistes varios y, años después, “Baldovino”, un eterno borracho. Fantasio era representante de la revista en Argentina, donde se vendía aparentemente bien.

Argentinos, con nombres conocidos en la revista “Rico Tipo" :
Alfonso Urtiaga, con “Envidiote”; la sensual “Marilyn Morron”, historias de una hermosa joven, dibujada a página completa; el perro “Latón” y ”Frescolín”. Además de dos series que no llevaban nombre, “Incógnito” y “Clavito” que son, seguramente, de su autoría. En los 60 crearía a “Sexilia”, una joven como indica su nombre. El dibujante mendocino estuvo largos años en Chile.
Pedro Seguí, con “Willy”, un simpático niño, y, en los 60, “Gina Frigidaire”, una lola muy liberal.
Adolfo Mazzone con el “Señor Gerente” y “El jefe le dijo…”. En los 60 con “Chiki, la corista” y “Perkins”, un mayordomo.
Además, una sección llamada “Selección Mundial de la Risa”, que recogía chistes de diferentes países.
Para no extendernos aquí, pueden visitar el excelente sitio en el que encontre esta data: http://www.ergocomics.cl

Habrán notado que en Chile habia dibujantes argentinos, provenientes de NUESTRA edicion local de pin ups. En algún foro lei que “Las chicas Divito, no tienen nada que envidiarle a la mejor Pin-up yanki”. Si, por supuesto, estoy refiriendome a “Rico Tipo” y sus esculturales chicas Divito, que no solo se hicieron famosas, sino que crearon una moda en dos generaciones femeninas. El creador de esa revista y sus señoritas curvilineas fue Guillermo Divito, maestro de Quino, entre otros.

¿Y hoy? ¿Hay pin ups? Si hay... aunque personalmente considero que el espíritu ingenuo, naivë de las chicas de calendario, que insinuaban mucho y mostraban lo minimo indispensable, fue mutando hacia un comic erótico. No en todos los dibujantes, claro, pero tienden a confundirse y mezclarse ambos generos.

En España, el artista Fernando Vicente, editó por medio de Dibbuks un sketch book que recibió excelentes criticas y muy buena recepción por parte del publico: “Las pin ups”. Como antecedente, Vicente tiene en su curriculum trabajos para el diario El Pais, especialmente en el suplementoBabelia.

Francia, uno de los paises en que mas se respeta al comic como Noveno Arte, tiene una edicion aparecida en Octubre del 2004, la que puede ubicarse en Norma Editorial, Catalogo Berthet.

Pero claro... no se trata solo de dibujos de chicas sin ropa, o con poca, y en actitudes llenas de inocencia y cierta perversidad. Aquí hay una historia en viñetas, que gira alrededor de Dottie, una chica de calendario o pin up, que en la Segunda Guerra Mundial posa para una tira diaria, una strip bélico-sexual. La cuestion es que esta señorita es en realidad una espía, una de las mas famosas durante la Guerra Fria. Es asi como la trama de los 8 numeros aparecidos de “Pin Up” mezclan belleza, poder, tortura y mucha acción. Para interiorizarse mas sobre esta BD, les invito a darse una vuelta por Tebeosfera, donde encontré una excelente descripción de esta obra y el paralelismo hecho por Yann y Berthet entre Bettie Page y Dottie Partington
Y si les interesa, aquí dejo enlaces directos a las cubiertas:
Cubiertas de la edición original de Pin-Up (libros 1, 2, 3, 4, 5, y 8) de Dargaud.
http://www.tebeosfera.com/Obra/Tebeo/Norma/Pin/15coverremember.jpg
http://www.tebeosfera.com/Obra/Tebeo/Norma/Pin/coverpoison.jpg
http://www.tebeosfera.com/Obra/Tebeo/Norma/Pin/20coverflying.jpg
http://www.tebeosfera.com/Obra/Tebeo/Norma/Pin/18coverblackbird.jpg
http://www.tebeosfera.com/Obra/Tebeo/Norma/Pin/16covercolonelabel.jpg
http://www.tebeosfera.com/Obra/Tebeo/Norma/Pin/17coverbuny.jpg

Otro español conocido es Carlos Diez, con infartantes mujeres, creador de innumerables covers de CD’s metalicos y tapas de revistas.

Felix Vega, artista chileno, residente en España, hijo de artistas famosos, dibujante y guionista. Se dijo sobre el y su obra: “El viaje por los cuatro elementos de JUAN BUSCAMARES, un héroe romántico a la antigua usanza, se ha convertido en el emblema del buen hacer de Félix Vega, uno de los autores chilenos más reconocidos de la actualidad”. Norma Comics lo comparó con Milo Manara. Sin embargo, Vega maneja el erotismo como recurso del guión, algo contrapuesto a los últimos trabajos (desde hace un tiempo muy largo, en realidad) del artista italiano.
Podemos encontrar pin ups de su autoria en tapas de “Heavy Metal”, “Play Boy”, donde comenzó a trabajar para aliviarle a Altuna el trabajo intenso. Cuenta asimismo con un sketchbook “Muses”, editado también por Norma, definido por la editora como “Mujeres sensuales, planos imposibles, posturas inolvidables... El autor chileno Félix Vega encuentra en la belleza femenina la inspiración que hace posible la creación artística. Ahora, por primera vez, recopilamos sus mejores ilustraciones en un libro de lujo."

Y si de los herederos de aquel pin up se trata, no puedo dejar de nombrar a otros exponente, junto a Manara, del erotismo en viñetas: Paolo Serpieri, creador de la celebre “Drunna

De este lado del Oceano, tenemos varios representantes. Uno de ellos es Carlos Cartagena, oriundo de Guatemala. Como se puede apreciar aquí, mantiene bastante delpin up tradicional.

Tambien las mujeres se adentraron en este arte. La exponente mas conocida es sin duda Olivia de Berardinis, discipula de Vargas.
Una de las máximas exponentes de lo que podriamos llamar “chica pin up” es Elvira, la mujer sensual, casi vampirica, que presentaba cine de terror, cuasi bizarro, en los ’80 y que aún continua. Asi la vislumbró Olivia en version pin up.
Podemos citar tambien a Molly Kiely, sin adentrarnos demasiado en su trabajo.

Una pagina que llamo mi atención por la facilidad con la que noté mezclan el pin up con lo explicitamente erótico, es Looks can kill, una web que ofrece ilustraciones digitales. Como observarán, se trata de las clásicas mujeres detectives, al mejor estilo Los Angeles de Charlie.
Cabe entonces una pregunta: ¿es esto pin up? Mmmm.....para mi, no lo es. Poco les queda de ingenuas a las Drunna y similares que pueblan las zonas mas hot en viñetas de la red y de las comiquerias. Entiendo que el pin up original marcó una época, un estilo, una tendencia que de a poco fue descubriendo mas y mas las curvas femeninas de manera obvia, tanto en fotos como en dibujos. Podria decir, entonces, que de aquellas chicas de calendario no queda mucho. Asi como no queda espacio para el modo de vida de los ’40 o ’50.

Dejé para el final algo que tal vez se preguntaron: ¿Hay dibujantes en nuestro pais que se dediquen a este estilo?
Ya cité antes a Horacio Altuna, que trabajó por unos 12 años en una publicación como PlayBoy, con su tira “Voyeaur”. Pero... ¿hay dibujantes que se dediquen a posters? ¿Afiches? ¿Calendarios? ¿Que dibujen dentro de aquel estilo?
La respuesta a esa pregunta la dejamos para la próxima.
Ahhh... me olvidaba.
En este enlace podran encontrar una colección completita de pin ups.
Que los disfruten!!

Alejandra Márquez
para Sección El Faro de Portalcomic